Norman McLaren, el más grande de los animadores, el pacifista, el humanista, el delirante, el obsesivo, el trasgresor, el docente, el generoso, el que corrió el límite de lo posible, el incasillable.
pensé mucho en él estos días, álgidos en nuestra región, no supe bien por qué, pensé era un escape a la dureza de las noticias y el estrés, la necesidad de lo experimental, pero ayer me di cuenta por qué pensé tanto en él, y no, no tiene que ver con una evasión, sino con un modo. una ética de lo posible, corriendo el límite del mismo. Norman McLaren y Rodolfo Kusch. de todo eso hablamos hoy, breve. les comparto pas de deux, el corto me que hace latir el alma de toda belleza y poesía, siempre vi copias malas, y ahora verlo subida por la propia NFB de Canadá en alta es algo que me cobijó toda la mañana entre esas líneas que ahora permiten apreciarlo como corresponde, dense el gusto que solo son unos 7 minutos. https://www.youtube.com/watch?v=WopqmACy5XI
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el sábado pasado hablé de Harun Farocki, y en particular de Fuego Inextinguible ('69) un cortometraje -que pueden encontrar online en YT- donde se trabaja de manera materialista la cadena de responsabilidades en relación a la utilización de las napalm en la Guerra de Vietnam.
no es una peli muy muy bien filmada, pero tiene un concepto y una manera de contar interesante, contiene en sus elementos la precisión del mensaje y sobre todo de la pregunta, algo que considero no es lo común en estos tipos de cortometrajes contestarios. paradojicamente se va a convertir en un ícono de su época, cuando encuentra su interlocutor. además hablo en general de harun farocki, aquel que tiene tanto para decirnos. transcribo aquí de su libro "desconfiar de las imágenes" este decálogo+1 editado por Caja Negra Editora. u) Unspoken Rules (Leyes tácitas). 1- Nunca dejar que un actor actúe al despertarse. 2- Siempre valorar una película de ficción por sus cualidades documentales. 3- Si se muestra a alguien preparando la comida, siempre mostrarlo después lavando los platos. 4- Nunca usar Fratres de Arvo Pärt como banda sonora. 5- Nunca usar imágenes de los campos de exterminio sin datarlos con precisión. 6- Si uno es un hombre y escribe un guión con un personaje femenino, nunca olvidar que uno es un hombre. 7- Nunca olvidar mostrar lo que la cámara no puede filmar. 8- Nunca usar cámara lenta para lograr efectos poéticos. 9- Si hay un nuevo régimen de imágenes en el mundo, nunca olvidar mostrarlo. 10- Nunca hacer primerísimos primeros planos de caras hablando. 11- Siempre hacer listas.
Si es ya es difícil hablar de cine en la radio (más cuando uno es una sujeta que mueve las manos para explicar la mitad de lo que se escapa de las palabras que siempre han sido esquivas), imagínense hablar de la abstracción hecha filme, en Argentina se tradujo como "El Camino de los Sueños" que me parece más acertada que la versión en el resto de los países hispanohablantes donde se tradujo como "Sueños, misterios y secretos" donde se omite lo principal: Mulholland Drive es una calle, una ruta, un camino, un recorrido sinuoso por un sueño, una realidad, un subconsciente, un algo que se mueve tierra adentro de nuestra piel, atrevesando venas y células, órganos y emociones, latidos y roces, olores y vibraciones.
Sintonicen hoy, que va a ser necesario la oreja detrás del éter.
El sábado pasado con el programa revolucionado, la ansiedad y el desborde de una latinoamérica estallada, y la elección local asomándose.
Cómo imposible poder elegir un filme para expresar, elegí hacer una recomendación general. Pelis hilvanadas en temáticas que creo pueden pintar un mapa desde donde adentrarnos en la narrativa chilena para pensar tal vez que es lo que está emergiendo en la Chile actual. La bisagra es el golpe pinochetista, es decir selección del Nuevo Cine Chileno y posterior al golpe narrativas de los últimos años, nuevas historias, nuevas ficciones en un tal vez modo de representación más homogéneo, pero muy interesante. Columna de lápiz y papel, pueden además verlas todas online, legal y de modo gratuito.
El sábado pasado hablé de Marlene, la mujer mito, mujer ícono. hablé de ella como la frontera, como la expresión humana de la abstracción lirica (la vanguardia de stenberg de renoir).
La frontera porque no es borde ni dualidad, sino posibilidad de traspaso de ida y vuelta, de adición, de poder sumar la luz y la sombra, la femme fatal y la andrógina, la pollera y el pantalón, lo femenino y lo masculino, la bisexualidad, lo personal y lo profesional, la artista y la soldada, lo blanco y lo negro. Una mujer que se construyó con la luz, y en esa construcción diseñada y fría y en esos rasgos angulosos que parecieran fríos a primera vista, y en esas piernas que nos separan kilómetros aunque solo midiera 1.65mt, en toda esa distancia, aparece ahí un rasgo de la libertad humana que nos atrae como imán, que nos seduce y nos convoca a ese humo misterioso que la rodea. Marlene es un ícono, es un ícono muy personal para mi, sus filmes siempre me pregnaron a la pantalla y siempre creí cada una de sus palabras, creo tal que vez que la premisa donde se establecía que era más voluntad que talento era tal vez cierta, y que no poseía grandes dotes actorales, excepto que empezó a hablar de ella en un momento y es ella entonces tan interesante que toda su profesión se volvió inmensamente potente. Marlene es una mujer profunda y llena de capas que por más que pensemos atravesamos en el humo jamás podremos llegar. tal vez eso, tal vez eso nos sigue convocando a la pantalla para ver si esta vez sí, esta vez podemos encontrar algo que creamos verdad. Creo que ella es todo verdad, es la carta sobre la chimenea, frontera entre lo posible, entre el blanco y el negro, para poder escribir como mujer posible, en el intersticio de la sombra. Escuchen la columna (la hice dos veces en circunstancias diferentes y en ambas y en este texto escribí cosas diferentes, podría hablar mucho más sobre todo lo que representa marlene)
el sábado pasado hablé de The Truman Show en la columna #CrónicasDeLaLuz, justo cuando estaba nombrando que hay un síndrome psiquiátrico derivado de la esquizofrenia por la paranoia alta de creer que todo es un reality show y hay alguien guionando nuestra vida que lleva el nombre del filme Síndrome The Truman Show.
va y SE CORTA LA LUZ en la radio, porque si, total, ni hablar de la paranoia que en ese momento nos recorrió por la espina dorsal. pero bueno, seguimos adelante, y pueden escucharla enterita porque paradójicamente todo siguió grabando. recomiendo mucho reveer The Truman Show, algo muy interesante para pensar nuestro hoy, nuestro día a día, un poco siento es un filme como su paralelo en literatural: El Principito, esos libros que hay que leer en cada momento de la vida cada tanto para poder descubrirle nuevas aristas y nuevas profundidades.
El sábado después de SobreMesa participé como invitada en el programa Famosos entre nosotros, para hablar sobre la realización audiovisual y la fotografía.
Siempre difícil definirse y tratar de poner en palabras lo cotidiano, un desafío interesante. Gracias a les amigues que me han dado una cálida devolución, siempre es mejor pensar y repensar juntes. Cuéntenme ¿qué les pareció?
RIO BRAVO (1959) Howard Hawks
Posiblemente la gema de los westerns, cuatro generaciones en un espacio tiempo detenido por la tensión del asedio y el desierto, la vastedad y la opresión en un simple pueblo de algunas casas. La geografía de los westerns como género siempre me fascinó, las historias contadas con delicadeza montando un plano detrás del otro y los actores sumergiéndote en cada historia particular. Una caja de cartón pintado donde todo debe ocurrir en otro plano. Rio Bravo es un clásico, y en esa clave vamos a analizarlo. El filme que definía si Tarantino avanzaba con una relación amorosa o no debido a si a la chica le gustaba Rio Bravo o no. ¿Por qué Rio Bravo y no otra, por qué si pensamos en este género hoy transformado nos referimos a este filme por qué John Wayne hizo más de 100 filmes pero es ésta una de las mejores? Dean Martin canta, Ricky Nelson acompaña con sus 19 años, Stumpy cojea y se malhumora y Angie Dickinson le aporta toda la complejidad femenina del misterio y la luminosidad, y bueno, John Wayne, The Duke, deslumbra a sus 51 años en el último filme donde va a usar su sombrero que lo acompañaba desde La Diligencia en 1939, ¿un fin de ciclo? VIDEO: la joya donde el enorme Howard Hawks en su agradecimiento por la estatuilla honoraria le agradece a la Academia por haber hecho posible la profesía de Jack John Ford. (el que pueda no llorar que avise).
Vuelvo a un viejo y siempre vigente amor: El Cortometraje.
Humildemente considero que es donde se encuentra la frescura de la experimentación, un formato que habilita ponerlo en foco para su revalorización. Lxs grandes directorxs han realizado obras maravillosas. Los pioneros también. Les estudiantes y lxs animadorxs suelen elegirlo frecuentemente. La Grifa también! Es solo por una cuestión de duración? De costo? Es la previa de un largometraje? Es un largometraje achicado? Es acaso un ejercicio que cualquiera puede realizar con un simple teléfono que filme? O es acaso un género en si mismo? Una estética propia? Un desafío? Una versión mejorada de historias demasiado extensas y poco sintéticas? Es acaso un lugar donde la frescura está presente todavía? Tal vez un refugio? Tal vez una pequeña libertad?
Dios y el Diablo en la Tierra del Sol ('64) Glauber Rocha.
Cinema Novo brasileño, fantasía historias populares, nuevos héroes, nuevas imágenes, nuevas puestas de cámara, nueva compaginación. Modos nuevos para crear un mundo nuevo, uno que contuviera las historias del pueblo, la carne y los huesos de la memoria de un pueblo golpeado, olvidado de la tierra en el Sertão del Nordeste de Brasil. Cuando en los '60 de verdad se cristalizaba esta idea de que La Revolución es también una Estética y que un cine tropicalista era posible. Glauber Rocha dio el puntapié inicial de una camada de maravillosos y bellos cineastas, que pensaron también que no solo era hacer películas que quisieran sino pelear seriamente por la distribución de las mismas, poder formar una industria cinematográfica que contuviera todas las áreas de producción pero con una mirada política sobre el tema, con una idea de la distribución que nos contuviera en esta tierra, aunque árida, nuestra. Las mujeres maravillosas en este filme, los rostros de un pueblo surcado en arrugas de sol y tierra, la violencia intrínseca de las injusticias, una naturaleza inclemente, un santo, un diablo, un terrateniente y una pareja que corre, que sigue en movimiento buscando un reparo de vida. Que somos todos un poco así, buscamos un poco de vida en lo inhóspito. "que el Sertão virará mar y que el mar virará Sertão." miren este final: "Mi historia está terminando, verdad o imaginación, espero que hayan aprendido esta lección, que estando mal repartido este mundo, anda mal, que la tierra es del hombre, ni de Dios ni del Diablo". https://youtu.be/yax2nV8YtR4?t=6961 (está puesto el final 1:56:01)
En esta oportunidad hablamos en #CrónicasDeLaLuz de un clásico de culto para variar, y aunque yo no soy muy de este estilo, ayer por la noche volví a repetir la secuencia que realicé hace menos de un año: ver Blade Runner (1982) y acto seguido Blade Runner 2049 (2017), con la diferencia de verlas en pantalla grande iluminadas por esa gran adquisición que no me canso de recomendar que es: el proyector.
Qué cosa es lo humano, Qué cosa es lo real, Qué cosa son las emociones, Qué cosa son los recuerdos. De nada podemos estar seguroas, solo de que todo aquello que creamos real no es más que lágrimas en la lluvia. 50 minutos. Todo eso para hablar de Blade Runner en #CrónicasDeLaLuz. Siempre me quedan cosas en el tintero para decir, aunque no lo crean (?), lo bueno de los podcast es que ese proceso es más interno, pero en el vivo hay que hacer toda la síntesis in situ y a veces no es tan simple cuando lo que se rodea tiene múltiples matices. El vivo es vértigo y es casi igual como el fotoperiodismo, todo lo sabido, todo lo sentido, todo lo vivido: ahí en el click, ahí en el REC.
Este sábado se homenajea a la pionera de un cine que como siempre en Argentina se dan híbridos, inventos que luego formarán vanguardia.
Comprender que ícono ninfa del erotismo y la fantasía de todes, que empresaria cinematográfica de gran éxito, que mujer devota en su vida privada, que comunión con la naturaleza y toda cosa viviente, que expresión de lo materno, que ferviente cinéfila, que miss argentina, que embajadora de la cultura argentina en 2012, que peronista, que mujer comprometida con una historia mezcla de ingenuidad, determinación, tragedia humor. En este video que comparto, pueden ver en su máximo esplendor una lección para todo futuro cineasta, tener un corazón de acero le dijo Armando Bó a un joven Coscia, tenés que tener un corazón de acero para ser cineasta en este país, en el video pueden ver una de las razones por qué. vanguardia de principio a fin, el desborde propio de lo femenino que se comprende en la piel acariciada por todas las aguas del mundo, una mujer. acá
hoy hablamos de
CASABLANCA (1942) Michel B. Curtiz La ética, el cine, la moral, el amor, el romanticismo, la segunda guerra mundial, el nazismo, la amistad, el contrabando, el racismo: ¿es Casablanca un clásico? ------------ en clave personal, esta película que forma parte de mi acervo chiquito filmico ese, el más íntimo, me costó un montón volver a verla, reencontrarme con lo que el filme tiene para brindar, por sobre mi propia memoria afectiva. siempre ese fenómeno de cómo ciertos filmes, ciertas canciones, ciertos lugares quedan anclados a personas y circunstancias me pareció extraordinario. el reencuentro fue fructífero, las preguntas potentes, nos encontramos entonces a dilucidar, ¿es Casablanca realmente un clásico?
Hoy hablamos en #CrónicasDeLaLuz junto a Federico Angelomé de Marcha Atrás sobre "Los muchachos de antes no usaban arsénico", estrenada en abril de 1976 y cuya remake ahora hace Campanella.
Inmediatamente en el primer plano del filme, que pueden ubicar fácilmente en YouTube o en Cine.AR Play, uno respira Sunset Boulevard del maravilloso Billy Wilder, pero avanza el filme y ese humor que bordea lo negro y lo ácido, algo no tan común de ver en el cine argentino y que en la remake de Campanella se infantiliza por completo, se va desprendiendo del filme de Wilder para tomar una voz propia, un sabor amargo -como de almendras amargas- cuando termina el filme y uno no sabe bien que hacer con la moral que tiene adentro. Ya por ponerme incómoda de manera mayúscula creo que vale la pena verla, para poder desandar cosas aprendidas, bordes y esquinas de lo no dicho.
Hoy en el día de la patria en SobreMesa de 15 a 17hs por Radio Trendtopic, en #CrónicasDeLaLuz vamos a estar hablando sobre este acto patriótico: Colección Mosaico Criollo - Primera Antología del Cine Mudo en Argentina.
Si el cine silente tiene todo para decirnos, su preservación pone en eje la relación que tenemos como sociedad con nuestra propia historia. La imagenes que hemos construido como sociedad forman parte de nuestra identidad, si sabemos que historias contaron les que nos precedieron, nuestras narraciones sin dudas serán infinitamente más profundas. Nos vemos en la radio hoy, para charlar de todas estas cosas, les esperamos siempre, mientras pueden ver completa la serie acá: ver Mosaico Criollo.
Hoy hablamos de Labyrinth o Detrás del Laberinto (1986) dirigida por Jim Henson (The Muppets).
Nunca la había visto en la infancia, así que la veo, a 33 años de su lanzamiento. Tiene TANTA carga simbólica que dificulta el análisis para una columna, pero vamos a tratar de al menos tirar dos puntas importantes para este filme que representó el fin de Jim Henson como director, y posiblemente de una manera de pensar la fantasía y el mundo de los artesanal para crear ilusiones y magia visual. La historia es compleja, pero clásica, reversiones un poco apócrifas (tan de los '80s) de Alicia en el País de las Maravillas, Outside over there o Where the Wild things Are, El Mago de Oz, entre otras. Una mirada feminista y otra social. Jim Henson dice sobre este film que quiso hacer las dos cosas que le parecen más importantes en cuanto película: que después de verla uno esté un poco más feliz que al comenzar a verla, y por otro lado, que hable de algo que pueda servirnos, algo de lo que se trata la vida misma. Creo que ambos preceptos están cumplidos, fracaso de taquilla en su momento, película de culto después, este sábado la revisamos para saber si todavía tiene tela para cortar y maravillarnos. Esta posiblemente sea una de las escenas más complejas en su realización (es un escenario con puestas de cámaras múltiples, espejismos, el storyboard más detallado del mundo y mucha pero mucha cabeza), llevar a la tridimensionalidad la genialidad de Escher, la metáfora es asfixiante, como esa relación perversa de un psicópata que es Jareth (David Bowie) a la que nuestra heroína Sarah (Jennifer Connely) supera con gran valentía.
Esta columna tiene una gran fe de erratas al principio, tiene que ver con el libro Petroleo de Pasolini, es una novela de ficción, no periodístico (salteando esa parte del principio porque todas podemos equivocarnos) la columna terminó con un pequeño repaso de algunos filmes claves en la filmografía de Pasolini.
Desarrollamos Comizi d'Amore ('65) o Encuesta sobre el amor, un filme-encuesta, muchas veces tomada como una película menor pero para mi clave y punto de inflexión en relación la diversidad de temas y características que hacen a la complejidad de los filmes y la obra en general de Pasolini. Como todo lo que hace despliega magia, este no es un caso aislado, recorre Italia de norte a sur, haciendo preguntas incómodas, pero siempre precisas. Pasolini no fue un hombre adelantado a su tiempo: fue un hombre-tiempo, condensado en la multiplicidad de una sociedad en plena transformación y posterior consolidación del modelo socio-económico italiano. Sensible, cruel y contradictorio, pero siempre genuino y sobre todo poético, valores y capacidad de conmover, emocionar y escandalizar hasta el día de hoy. En Comizi d'Amore me interesan las preguntas que todavía hoy seguimos balbuceandolé respuestas, aunque pensemos que hemos atravesado mucho recorrido cuando hay que hablar de sexualidad, de amor y de deseo. Escuchen la columna, ayudenós a compartir y sobre todo: vean Comizi d'Amore del siempre amado Pier Paolo Pasolini.
La columna de esta semana, hablamos sobre Baby Face (1933), la película más Pre-Code de la era Pre-Code.
Desde la llegada del sonido hasta 1934, se produjo una liberación en Hollywood, las mujeres tomaron las pantallas como sujetas deseantes en todas sus formas, el erotismo, las insinuaciones, los cuestionamientos a las normas establecidas, el sonido había liberado una voz que permitió sobre todo jugar e intentar mostrar otra cara de las cosas, o mejor dicho en la mayoría de los casos la doble moral de la sociedad estadounidense. Los estudios liberaban películas donde las mujeres en la pantalla decidían sobre su sexualidad abiertamente, tomaban alcohol (durante la prohibición), no usaban más corset, empezaban a ponerse maquillajes muy marcados, tenían hijxs por fuera del matrimonio y la heteronorma ya no era la norma, se mostraban partes del cuerpo que habían sido vedadas hasta el momento (como las piernas, ¡ja!). En ese momento hay un paradigma, Baby Face (1933) de Alfred Green, es la cristalización y seguramente aceleración del código Hays que iría a vedar puritanamente al Hollywood de esa epóca, que los historiadores dieron a llamar Pre-Code Hollywood. Este filme que conjuga como ninguna todos los elementos que luego serán vedados con el código Hays de todas las películas del Pre-Code, es porque seguramente sea la más osada de todas, ya no importa el erotismo, sino el uso que hace una mujer puesta en su deseo desnudando la doble moral respecto al uso de la sexualidad y su valor para ascender social y económicamente. Una Barbara Stanwyck brillante y actriz madura que va a dar cuerpo a una mujer nietzcheana. Lo más interesante de este filme es que posiblemente, hable del rol de la mujer, de ponerlo en eje para discutirlo, pero en el fondo hablar más sobre la sociedad estadounidense que hace estas múltiples lecturas, crea una película cuestionadora, la censura, la guarda a través de los años y vuelve a revisarla casi 70 años después. No solo la relación de poder asimétrico entre géneros, sino su propia relación conflictiva post crisis del '29 con el sistema capitalista basado en el sistema financiero y bancario, burbuja que les va a explotar en 2008. De todo eso nos habla una película sincera, cruda y directa, 75 minutos de narración. Baby Face (1933) de Alfred Green. ((Este enlace abre una nueva ala) ver tráiler)
Desde las sierras de Alta Gracia, en medio de la semana santa y pensando con el equipo sobre qué película podríamos rescatar este sábado, solo se me venía a la cabeza la imagen del rostro más icónico posiblemente de la historia del cine que tenga tintes espirituales: Juana de Arco de Carl Dreyer.
Este filme es una bisagra en la historia del cine ya que coincide con la llegada del sonido al cine, y a su vez es una declamación de la potencia de la pura imagen para transmitir sentido y sentimientos. Es un filme que fue concebido silente, sin ningún sonido diegético ni incidental, que ubica al espectador en una dimensión de trance, de pura emocionalidad latente, algo que años después los grandes admiradores de Dreyer como Pasolini y Tarkovsky llevarían a otro nivel. Creo que que La Pasión de Juana de Arco tiene mucho para contarnos todavía, para hacernos sentir. porque es compleja en su hacer, en su historia, y en la huella que tiene hasta el día de hoy, una oda a los primeros planos, tal vez una ventana al gran alma de lo sagrado que habita en la humanidad toda. Polémica en su estreno, polémica hasta hoy. La Passion de Jeanne d'Arc (1928) Carl T. Dreyer. ((Este enlace abre una nueva ala) ver por acá).
Esta quinta entrega de Crónicas de la Luz, hablamos sobre Billy Elliot, película estrenada en el año 2000, en el contexto de las huelgas mineras de 1984/5 en Reino Unido.
De las muchas cosas que pienso que este filme acierta, en términos formales, de guión, de narrativa, de creación de atmósferas, de ritmo de montaje, de banda sonora, de exquisitas actuaciones, de temáticas, entre algunas otras cosas; hay algunas que vamos a resaltar, sobre todo en la búsqueda del deseo y la comunidad, en cómo podría no siempre la liberación estar ligada a la individualidad. Muchxs mencionan este filme como de autosuperación, de liberación personal, de "ir en búsqueda de tus sueños sin importar lo que digan", y yo creo que si bien hay elementos que van por ahí, es mucho más profunda y por el contrario se trata más del contexto político que de la vida de Billy en sí. O mejor dicho cómo usar TODOS los elementos de la narración audiovisual para construir una reflexión sobre los hechos sociopolíticos que se sucedieron en ese Reino Unido a mediados de los '80 y cómo en algún punto eso reconfigura el entramado social, político y histórico de esas comunidades; pero podemos dejarnos acunar por el ritmo mientras vamos repensando esas categorías. Billy Elliot (2000) Stephen Daldry. ((Este enlace abre una nueva ala) ver tráiler)
Unos días antes del armado de esta columna festejé mi cumpeaños en Mendoza, atravesando la tierra materna, también me hizo reflexionar sobre la relación entre los artistas y los espacios. Pasando por Luján de Cuyo con Leonardo Favio en la cabeza repasé internamente su obra.
Al retorno indagué más y se esbozó esta columna como registro de esa relación de su filmografía, algunos aspectos claves para reveer la misma. Items para tener en cuenta, grandes líneas para transitar esta pequeña pero poderosa filmografía que conforma de tan tajante nuestro imaginario. Un repaso sobre toda su obra, y su profunda relación con el espacio de su infancia, su tierra y como esa cualidad de todo artista genuino de relacionarse con lo más profundo de su historia, habilitando así un rasgo de lo humano donde nos podemos encontrar tod(oaxe)s, en el campo de lo popular, desde la ética de la ternura y comprendiendo al cine como un acto de amor, que en el fondo es un acto de libertad. Espero sus impresiones. En esta entrevista recuperada por el Archivo Histórico RTA S.E. pueden escuchar un hermoso ida y vuelta por toda la historia de su filmografía: (Este enlace abre una nueva ala) click acá.
En esta segunda entrega y haciendo una excepción hablamos de un filme actual, Roma (2018) de Alfonso Cuarón, desentrañamos algunas aristas para poder pensarla.
Slavoj Žižek dice: “Es muy difícil deshacerse de las cadenas en las que no solo nos sentimos cómodos, sino que también sentimos que estamos haciendo algo bien. Como dijo T.S. Eliot en su libro Asesinato en la catedral, el mayor pecado es hacer lo correcto por la razón equivocada”. Mi palabra para esta película después de verla, analizarla y pasarla por el cuerpoalma es: Roma es una película deshonesta. Escucho sus comentarios. Roma (2018) Alfonso Cuarón ((Este enlace abre una nueva ala) ver tráiler).
En esta edición de Crónicas de la Luz, iniciando la cuarta temporada de Sobremesa y la segunda de esta columna sobre cine, analizamos dos películas claves de la estética del nuevo cine argentino -como se dio a llamar posteriormente- en la década del '90.
Una búsqueda de varios directores de entablar una relación directa y cruda con las historias que relataban y la realidad social que se vivía en las urbes. Es así que se da una estética despojada, nuevas narrativas, nuevas historias temáticas, una marginalidad retratada (aunque ficcionalizada) desde un universo común donde el espectador pudiera verse reflejado en su cotidiano. Creo que estas estéticas del despojo, tienen mucho para decirnos hoy, pensar tal vez, cuál es la imagen posible cuando el neoliberalismo arrasa con la subjetividad. Pizza Birra Faso (1998) de Bruno Stagnaro e Israel Adrián Caetano ((Este enlace abre una nueva ala) a 30 años del estreno). Bolivia (2001) de Israel Adrián Caetano ((Este enlace abre una nueva ala) tráiler).
Poné Marcha Atrás, es el programa del colectivo de historia (Este enlace abre una nueva ala) Marcha Atrás. Su programa sale todos los sábados a las 19hs por FM La Patriada, online y al aire.
En la semana de los Oscars surgió la inquietud sobre los comienzos de Hollywood, como hecho histórico que contiene elementos concretos de fechas, personajes y circunstancias, pero además todas las circunstancias que lo han convertido en un símbolo del cine estadounidense y mundial. Recorremos entonces varios de estos elementos para conocer más sobre los comienzos de Hollywood para poder advertir elementos que nos permitan pensar el futuro del cine en sí mismo, y sobre todo la industria actual. La pregunta disparadora fue: ¿podría haber existido Hollywood en otro lugar que no fuera Estados Unidos en los primeros años del SXX?. |
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Noviembre 2019
Categoríaspodcast por Ailén Iglesias Barrera se distribuye bajo una Licencia Creative Commons Atribución-NoComercial-CompartirIgual 4.0 Internacional. |